Генезис культурноисторических форм арт-рынка: древневосточные цивилизации и Античность

Долганова Е.А.

Долганова Екатерина Александровна – выпускница факультета «Предпринимательство в культуре» (2008); соискатель кафедры культурологии ИППК МГУ им. М.В. Ломоносова, независимый арт-дилер и консультант, член координационного совета международного фонда «Культурное достояние».

Аннотация:

в статье исследуется генезис двух культурно-исторических форм арт-рынка, характерных для древневосточных цивилизаций и античности.

Ключевые слова:

непрофессиональный арт-рынок, основные субъекты институции непрофессионального арт-рынка (художник, заказчик, публика, агоны, протовыставки, протоколлекционирование).

Художник как творец, создавая различные произведения искусств, внутренне запрограммирован на то, что результаты его труда должны быть транслированы в социум и этим социумом восприняты. Существуют природно-онтологические основания функционирования искусства в теле социума, но этих оснований недостаточно, чтобы искусство стало активным субъектом художественных коммуникаций. В процессе удовлетворения различных потребностей и запросов общества в художественных коммуникациях был выработан ряд инструментов. В настоящей статье внимание концентрируется на исследовании генезиса и становления арт-рынка. Арт-рынок рассматривается как чрезвычайно важная культурно-историческая форма взаимодействия и взаимоотношения художника и общества.

Рассмотрим, как происходила актуализация системы рыночного обращения предметов искусства в истории человечества.

Древнейшие формы искусства уходят своими корнями еще в первобытные времена, что подтверждается археологическими находками. Первобытное искусство не было персонифицированным, не различало художника и публику – оно возникало, как результат стремления познать и обуздать окружающую природу через ряд многообразных ритуализаций. В первобытном обществе художник не был индивидуализирован, творчество было коллективным и ритуализированно-обрядовым, результаты творчества были обращены ко всем членам рода или общины и формы обмена были минимизированы, поэтому о продвижении результатов коллективного творчества на арт-рынок говорить не приходится. Первобытное примитивное художественное творчество еще не представляло собой дифференцированную и самостоятельную форму осознания, освоения и удвоения мира.

По мере развития человеческого сознания и элементов культуры, дифференциации форм деятельности пещерного человека он начинал развивать формы прикладного искусства. Человек больше внимания уделял украшению предметов, которые имели реальное, практическое назначение. А значит, развивалось ремесло – появились люди, обладавшие определенными качествами и навыками, которыми не обладали другие. Творческая одаренность и способность делать что-то лучше, чем другие, должны были, по логике вещей, выделять художника в отдельную социальную единицу общины: ведь кто-то, безусловно, рисовал или резал по дереву и кости лучше остальных. Происходит разделение труда – один из важных элементов рынка. Его основное следствие – товарообмен.

Переход к цивилизации сделал возможным создание человеком «второй природы». Цивилизация раскрепостила самосознание человека и позволила ему постепенно приручить в разных формах природу, ее стихии. Появилось понятие единичности, которое выделилось из общности. Самый классический пример магико-символического искусства – это древнеегипетская цивилизация. Художественная реальность Древнего Египта (как и других цивилизаций древности) не выработала своей собственной творческой концепции, а воплотила готовую концепцию, выработанную другими формами общественного сознания, в особенности религией. Большинство произведений создавалось в рамках заупокойного культа, который породил много различных сакральных ритуалов. В силу специфики данных обрядов публика не видела большую часть произведений. Остальное создавалось с целью восхваления государственного культа обожествленного фараона. Карьера художника строилась в рамках интеграции в эту модель. Величием фараона были выработаны каноны, в рамках которых должно было развиваться искусство, и они оставались незыблемыми в течение всей истории цивилизации, в противном случае это ставило бы под сомнение все многовековое цивилизационное устройство, что было немыслимо.

В условиях древневосточных цивилизаций художник становится лицом, стараниями которого восхвалялся и обожествлялся фараон, его деятельность тоже обожествлялась. Художники – живописцы, скульпторы, зодчие – были высокопоставленными лицами, зачастую жрецами, их имена становились известными, а сами они – почитаемыми в обществе. Имена некоторых из них известны на все времена, т. к. остались высеченными на каменных плитах памятников, ими созданных. Тем не менее это лишь малая часть дошедших до нас имен. Совершенно очевидно, что художник в условиях древних цивилизаций являлся служителем богов и хранителем священных канонов. В силу данных причин проявление индивидуальной воли художника было строго ограничено, соответственно, его индивидуальность не имела никакого значения перед тем, что он делал. Назначение создаваемой художественной реальности возвышало в глазах египтян и их творцов, которые в свою очередь осознавали свои заслуги и свою славу. Так, в надписи, высеченной на храме по приказу знаменитого зодчего Инени, жившего в XVI в. до н. э., написано: «То, что мне было суждено сотворить, было велико… Я искал для потомков, это было мастерством моего сердца. Я буду хвалим за мое знание в грядущие годы теми, которые будут следовать тому, что я совершил»[109]. Из приведенной цитаты древнего зодчего становится понятно, что искусству в это время отводились социально важные функции и оно обращалось ко всем будущим поколениям.

Известно имя создателя пирамиды фараона Джосера – Имхотепа. Существовали целые ремесленные мастерские, выполнявшие заказы для фараона. В них трудилось сразу несколько ремесленников, а их действиями руководили опытные мастера, следившие, чтобы качество соответствовало всем канонам, т. е. мастерство передавалось от более опытных мастеров к более молодым. Во время творческого процесса в мастерских присутствовали писцы, фиксировавшие все происходившее. По их записям, а также по настенным росписям современным исследователям стало известно, что занятые на сооружении гробниц ремесленники жили в хижинах в Долине царей. Таким образом, можно сделать вывод, что в своих зачатках арт-рынок в самых неразвитых своих формах имел бартерный характер и играл важную социальную роль, способствуя дифференциации членов общества, усилению мотивации к развитию производства тех или иных товаров.

Исходя из приведенных примеров, можно констатировать, что в Древнем Египте складывалась важная для арт-рынка система отношений «художник – заказчик». Важный момент этих взаимоотношений заключается в том, что ремесленники осуществляли заказы не только для фараона. Известно, что многие знатные египтяне могли позволить себе содержать собственные ремесленные мастерские. В свободное от работы на фараона время ремесленники подрабатывали, выполняя частные декоративно-прикладные заказы. Художники Древнего Египта – это, прежде всего, ремесленники, т. е. люди, обладавшие профессиональными знаниями и умениями в области архитектуры, декоративно-прикладного искусства, которыми не обладали другие. В древних цивилизациях Востока сложились устойчивые формы передачи опыта действующих творцов ученикам. Социальный статус ремесленников Древнего Египта был высок, они были весьма уважаемыми людьми, их труд хорошо оплачивался. Следовательно, уже существовал и своеобразный арт-рынок, который способствовал дальнейшему развитию ремесла в Древнем Египте.

По авторитетному мнению А.Ф. Лосева, в мировоззрении и культуре древних греков существовало три духовных доминанты: мифология, искусство как форма художественной рефлексии на миф и философия как форма рациональной рефлексии на миф[110]. Религия определяла сюжет и содержание художественных произведений. Но греческая мифология, в отличие от восточных культур, антропоморфна, в ней изображаются обычные люди рядом с более совершенными олимпийскими божествами, которым, в свою очередь, не чуждо все человеческое.

Что касается статуса художника в античном мире, то он был не посланником богов, как в Египте, а простым человеком – искусным мастером своего дела, за которое получал жалование от государства или же от частных заказчиков художественного продукта. Греки не разделяли искусства на изящные и ремесленные, для них ремесленник (демиург) мог достигнуть совершенства в любом виде искусства и стать мастером (архитектоном). Архитектоном называли и главного руководителя производства[111].

Движущей силой развития художественного процесса было именно умение (ремесло), а не вдохновение и божественная одаренность, не было понятия оригинальности, творчества как такового, потому что искусство как форма рациональной рефлексии на миф, аналогично древнеегипетскому, было очень традиционным, преследуя цель постоянства, всеобщности и совершенства. Хорошим художником считался тот, кто обрел умение и применял правила, а не тот, кто стремился выразить свою индивидуальность.

Большую роль в продвижении художника в культурное пространство играл социальный заказ, определявший сюжет, композицию, материал произведения и т. д. Государство активно поддерживало искусства; согласно греческим эпиграммам, статуи были повсюду: в храмах, на открытом воздухе, на площадях, на берегу моря, и словно живые участвовали они в жизни греческого полиса, в празднованиях, спортивных состязаниях, шествиях. Известный польский исследователь В. Тартакевич пишет в одной из работ, посвященных Античности: «В исторических трудах Плутарха встречается описание следующих профессий: плотники, скульпторы, медники, каменщики, вазописцы, золотых дел мастера, живописцы, ткачи и т. д.»[112].

Опираясь на приведенный текст, можно сделать вывод, что представители художественных профессий были широко распространены и играли важную роль в жизни греческого полиса. Эта категория профессионалов была активно представлена на рынке труда. Художникам также надлежало распространять достижения греческого искусства на всех новых завоеванных территориях. Особенностью античного мировоззрения было стремление сделать культуру образом жизни. Понятие «культура» греки противопоставляли варварству, и «культурным» мог быть только эллин, гражданин греческого полиса, следовавший установленным правилам и обычаям общественной жизни. Но греки достаточно неоднозначно относились к труду самих художников, часто считая его физическим трудом ради заработка. Это отчасти объясняет то, почему первоначально искусство в Греции даже находилось в руках рабов – пленных, наемников, выходцев с Востока (не случайно многие навыки были переняты у других народов, в частности у египтян).

Постепенно греки начинают осознавать социальную важность искусства для формирования целостной картины мира и распространения греческих культурных ценностей. В полисах появляются школы «высокого искусства», а в противовес разносторонним ремесленникам появляются профессионалы преимущественно в одном виде искусства – скульптуре. Скульпторы высоко ценились в греческом обществе. Так, несколько городов Греции признали скульптора Полигнота своим гражданином, известно, что скульптор Фидий занимал в афинском обществе весьма высокое положение. В античной Греции периода высокой классики художник чаще всего был свободным гражданином полиса, активно участвовал в общественной и политической жизни, воплощал в своем искусстве общественные идеалы, а его произведения были высоко ценимы и почитаемы. До нас дошли многие сотни имен древнегреческих скульпторов и живописцев, что говорит о высоком социальном статусе художника.

В Древней Греции оформились основные субъекты художественной жизни – художник и публика. Сам термин «публика» был введен именно греками. Общественная пассивность в греческом обществе строго осуждалась, и жители полиса активно участвовали в общественной жизни, в т. ч. художественной, равно как и художники искали у народа признания своих произведений. Уже тогда среди художников существовала высокая конкуренция, и публике нелегко было разобраться, кто же лучше.

Возникала социальная потребность предоставления заказчикам информации об ассортименте и качестве создававшихся художественных произведений. Более того, греческая знать имела в своих коллекциях не только творения греческих художников со всей страны, но и многочисленные драгоценности и диковинные вещи из других стран. Соответственно, существовала потребность исследования предложения и определенный порядок оценки их большей или меньшей востребованности относительно остального. Мнение публики и интерес, проявлявшийся к работам художника, существенно маркировали его позиции и определяли, говоря современным языком, его рейтинг в ходе различных конкурсов, проводившихся во время праздников и спортивных состязаний. Конкурсы инициировались жрецами храма, советом старейшин или народными собранием[113].

Заказчики, желая получить наилучшее произведение, инициировали «агоны» – своеобразные состязания художественных произведений, когда группа конкурировавших художников высказывала свое мнение по поводу остальных претендентов по принципу «лучшая работа после моей». Именно в Древней Греции зародилось явление протохудожественных выставок, на которых художники не только знакомили публику со своим творчеством, но и надеялись реализовать результаты своего творчества или установить контакты с потенциальными заказчиками.

В Древней Греции большую роль начало играть имя художника, используя современную терминологию, – его бренд, т. е. то, что определяет его ценность по сравнению с другими. Известно, что живописец Апелес, бывший весьма популярным у публики, помогал своему другу Протогену продавать картины, подписывая их своим именем[114]. В Древней Греции также начали подниматься вопросы материальной оценки произведения искусства. И в данной связи факт продажи произведения искусства становится уже не только оплатой труда художника, а оценкой стоимости картины. Зевксис утверждал, что его картины, превосходят всякую цену. Другими словами, он был лидером продаж, в результате чего получил большую известность и составил себе большое состояние. Впоследствии он отказался творить за деньги и стал дарить свои картины, в т. ч. и городам.

Древнеримская культура объективно во многом ориентировалась на достижения Древней Эллады. Выработанные элементы художественного рынка, присущие античной Греции, были заимствованы культурой Древнего Рима. Но положение художника в Риме определенным образом изменилось. Наиболее социально значимыми и почетными в этот культурно-исторический период считались профессии, связанные с военной и государственной деятельностью гражданина. К профессии художника общество относились еще более свысока, нежели во времена Древней Греции.

В Риме художник – это человек, далекий от политических событий, часто вольноотпущенник или даже раб греческого происхождения. Не случайно в римских литературных источниках практически не находится упоминаний имен римских художников и скульпторов. Современные исследователи фиксируют следующие: «До наших дней сохранилось свидетельство об единственном патриции Фабуле, расписавшем “Золотой дом” Нерона. Этот исключительный случай мог быть допущен только потому, что сам император Нерон… считал себя “артистом” и выступал с пением и игрой на кифаре в Олимпии».[115]

Римляне очень почитали древнегреческое искусство, поэтому предметом их интереса стали работы греков. В результате чего начинают формироваться большие частные собрания, заложившие основы коллекционирования (или протоколлекционирование), которые уже существовали в Древней Греции: священные участки – теменосы, отдельные храмы с хранящимися в них культовыми памятниками и, наконец, большие частные коллекции.

Знание искусства и способность критически судить о нем считались в Риме признаками образованности и высокой культуры, как следствие – римские аристократы платили огромные суммы за шедевры живописи и скульптуры Древней Эллады. Продолжалась практика выставок-продаж картин. Более того, появились новые их формы – протоаукционы, с которых первоначально легионеры продавали добытые трофеи, а потом и зажиточные граждане начали продавать фамильные ценности. Аукционы как раз отражали выразительность внешних форм и театральность, присущую всему римскому образу жизни. А поскольку в основе римских ценностей не последнее место занимала политика, в Риме также зародилось такое явлениие, как меценатство. Его основоположником стал римский патриций по имени Гай Цильний Меценат.

Античная культура, развив достижения древневосточных цивилизаций, внесла существенную лепту в развитие основных элементов древнегреческого и древнеримского арт-рынка.

В заключение можно сделать вывод, что генезис арт-рынка следует связывать с возникновением частной собственности, рабовладением, которые стали характерными чертами древневосточных цивилизаций и получили свое развитие в культуре Античности.

Использованная литература

1. Дмитриева Н. Краткая история искусств. М., 2000.

2. Лосев А.Ф. 12 тезисов об античной культуре // Студенческий меридиан, 1983, № 9-10.

3. Любимов Л. Искусство Древнего Мира. М., 1971.

4. Тартакевич В. Античная эстетика. М., 1977.

5. Чубова А.П., Конькова Г.И., Давыдова Д.И. Античные мастера: скульпторы и живописцы. Л., 1986.